Mario Biondi, que es conocido en Europa como el Barry White italiano, es originario de Catania e hijo de un popular cantante llamado Stefano Biondi. Su voz embriagadora y el sentimiento que imprime a cada una de sus interpretaciones le otorgan una fuerte personalidad. Despues de colaborar con diferentes artistas italianos,lanzó en 2006 su primer y exitoso disco Handful Of Soul junto a la fabulosa formacion jazzistica High Five Quintet. Le siguió un segundo disco en directo grabado en Milan acompañado de la Duke Orkestra I Love You More Live.

El cantante Reapareció a finales del año pasado con If cantado en inglés como sus antecesores y con claras influencias esta vez del sonido Philadelphia que se caracterizaba por sus exuberantes arreglos orquestales, así como por sus cuerdas y su punzante sección de viento. Canciones como  Be Lonely , Serenity con un órgano Hammond de ensueño y guitarra wah-wah o Love Dreamer son un buen ejemplo de ello. Tambien hay espacio para las baladas romanticas como la preciosa  Something That Was Beautiful compuesta por B. Bacharach/S. Sater,  If  que da titulo al álbum o en clave mas tranquila y sensual  Cry Anymore adornada de unos increibles coros femeninos. Hay tambien una exuberante balada jazz titulada  I Wanna Make It. Destacar la alegre y festiva  I Know Its Over , un arreglo de una cancion que como curiosidad aparecia originalmente en el album Non Stop del mismisimo Julio Iglesias( si,si el mismo). Por último en la triste Bom De Doer nos acerca a Brasil. Mario Biondi, un italiano con alma negra.

Aquí se puede disfrutar de 3 temas del nuevo álbum:

Erik Truffaz toca a la manera de Miles Davis con algo del jazzrock de Brian Eno. Eso es algo que se ratifica cuando crea atmósferas extasiadas con un mínimo de notas. En su trabajo se afirma la profundidad y la durabilidad de la fusión Truffaz, que es sinónimo de un jazz musculoso, con alma y lleno de espacios sumamente abiertos”, así apunta el crítico David Fricke en la revista Rolling Stone, al describir la obra de este trompetista sueco, ciudadano francés, hoy de 49 años.

El jazz fusion
En términos de jazz, Truffaz, es pionero en los escenarios parisinos de proponer un espíritu original al movimiento fusion, aplicándole alta creatividad. Es más, ese atrevimiento de someter al jazz tradicional al mestizaje con ritmos modernos (desde drum n’ bass hasta rap), los puristas le han interpretado frecuentemente como una irreverencia innecesaria. Con esa estela, más una docena de discos grabados, y presentaciones en festivales como el Montreux Jazz Festival, inicia ahora una gira por América Latina, esta vez, al lado del mexicano Murcof, multitecladista de 39 años, que abraza la música electrónica minimalista.

Jazz y hip hop
Para Truffaz, “no trato de hacer esto o aquello. Sólo trato de ser yo mismo. Tomo inspiración de las cosas que amo”. Ahora bien, esa filosofía es lo que sirve de línea divisoria para apartar lo suyo a lo hecho antes y no para retomar posturas hechas por un Miles Davis, Pat Metheny, Joe Zawinul y Chick Corea, por mencionar algunos que innovaron a finales de los años sesenta, setenta u ochenta con jazz fusion. Según el trompetista, en estos tiempos existen aportes que los elementos electrónicos le hacen hoy un bien al jazz. “El ritmo es uno de sus aportes. En los años noventa, la aparición de la música rap y del drum n’ bass ha insuflado nuevos ritmos al jazz”.

No es de extrañar que este compositor francés suela escuchar a Radiohead, Peter Gabriel, Massive Attack, música hindú y sufí. Músicas que igual incorpora a su trabajo, como prueba de su apertura a los nuevos sonidos. A veces de un modo excéntrico sí, donde recurre a samples o al apoyo de diferentes artefactos electrónicos.

Truffaz comenzó a estudiar trompeta (gracias a su padre) e ingresó al Conservatorio de Geneve, Suiza. Para entonces, tenía 16 años, ya había escuchado el disco que le impactó para siempre: Kind of blue, de Miles Davis. Con educación formal, aprendió por supuesto a tocar Mozart y Verdi, pero el jazz era el oasis de su realización. Así fue como ganó notoriedad con diferentes premios, con su pequeño grupo y después con sus grabaciones.

Lo que este trompetista persigue al final es que “el público sea quien entienda nuestra música, que la gente sienta la emoción que intentamos transmitir y que de alguna manera nos responda”. Eso sí, a condición que el oyente lo haga con la mente abierta.

Esta es la mejor oferta en materia de jazz del año. El planteamiento es de procedencia europea, con aire de vanguardia y elegancia.

Algunas cosas que son el uno para el otro: el jamón y los huevos, la pizza y la cerveza, el televisor y el sofá, la Blackberry y Twitter. ” Algunas personas nacieron el uno para el otro también: Romeo y Julieta, George Lucas y Steven Spielberg y Humphrey Bogart y Claude Rains en el final de “Casablanca”.

Ponemos a  Chick Corea y Stanley Clarke en esa categoría también. La colaboración del compositor y tecliadista Chick Corea y el bajista Stanley Clarke es una de las más ricas en el jazz.

Se inició en febrero de 1972, cuando Corea - el pianista menos predecible en la escena de jazz de Nueva York - de repente decidió que quería comunicar a un público amplio de jazz. Reunió a algunos de los músicos más notables de la época - como Clarke, el percusionista Airto Moreira, la cantante-esposa de Moreira, Flora Purim, y el saxofonista Joe Farrell - para hacer uno de los álbumes más melódicamente rico en historia del jazz, “Light as a Feather “.

A Stan Getz le gustaba tanto la banda que tuvo Corea y sus amigos, que grabó con ellos (Corea, Clarke y Moreira) la mayor parte de su repertorio en “Capitán Marvel”, uno de los mejores discos de Getz.

Tan popular y querida fue la posterior “Return to Forever”, que el título del disco se convirtió en el nombre de Corea y el grupo de fusión continua de Clarke, uno de los mejores y más creativos de su época, junto con la Mahavishnu Orchestra, Weather Report y Lifetime de Tony Williams.

La mayor de las colaboraciones musicales de jazz no dura para siempre, pero músicos como Corea y Clarke saben que son el uno para el otro. Así es como se hacen acompañar con otro colega de “Return to Forever”, el baterista Lenny White y formaron uno de los grandes tríos de jazz de gira en estos días, una reunión de alto nivel musical que es muy inusual.

El legendario cantante y guitarrista George Benson volvió a los estudios para la producción de su último álbum Songs and Stories, a la venta desde el pasado 25 de agosto.

La producción contiene 12 temas en los que Benson deleita con su estilo particular, pero no deja de sorprender con la versatilidad con que se pasea entre los diversos géneros del jazz y el soul.

En este trabajo el músico se hace acompañar por grandes figuras como Lee Ritenour, Norman Brown, Marcus Miller, Tom Scott, David Paich, Marcus Miller y Patti Austin, entre otros.

Participan también grandes compositores como Bill Withers, Lamon Dozier, Smokey Robinson, Rod Themperton (autor de Give Me The Night, el éxito absoluto de George Benson), David Paich y Steve Lukather, Marcus Miller.

Después de una carrera de cinco décadas y más de 70 producciones discográficas, Benson complace una vez más a su audiencia con este nuevo lanzamiento, además de la reedición del DVD Live from Montrieux, que fue grabado en un concierto en la localidad suiza en el año 1986.

Para promocionar su nuevo álbum, Benson ha estado visitando algunos países de Europa como parte de una breve gira de medios.

Desde el año 2007, Benson no había lanzado una nueva producción. La última fue el disco titulado George Benson Live, que salió a la venta en octubre de 2007.

El término reciprocidad, no podría calzar mejor para describir este disco. Una asociación musical, donde ambas partes salen ganando por donde se le mire. Por un lado, Yellowjackets dispone de un guitarrista de la versatilidad y la técnica de Stern, que se mueve con soltura en variados lenguajes musicales. Y por otro, el guitarrista no podría haber conseguido mejor banda para mostrar lo suyo, ya que en “Lifecycle”, también participa como compositor y se siente como uno más en una agrupación de aportes individuales equilibrados.

Un jazz eléctrico entretenido y liviano, pero no por eso superficial o con falta de sustancia, sino que con harta onda y una mirada particular de la fusión, influida en general, por algunos fundadores del género: Weather Report, Return To Forever. No es de extrañar entonces, que Yellowjackets se sienta bien con Stern, quien participó en una de las formaciones ochenteras de Miles Davis, representante de la quintaesencia de la revolución del jazz rock.

El animado tema que abre, llamado “Falken’s Mase”, muestra todo el aceitado dinamismo y fiato del cuarteto original integrado por Russell Ferrante en piano y sintetizador, Jimmy Haslip en bajo, Bob Mintzer en vientos y Marcus Baylor en batería y percusión. Además, es una excelente introducción para Stern, que se despacha un solo de gran potencia. Las frases complejas sirven de quiebres para que entre como protagonista uno u otro instrumentista, como Ferrante en el piano o Mintzer en saxo.

Los dos aportes compositivos de Stern vienen seguidos en los tracks tres y cuatro. El primero de ellos, llamado “Double Nickel”, se caracteriza por sus tiempos muy rápidos, con un walkin de bajo y batería sincopada, que sirven de base para las arremetidas hiperquinéticas de Stern en las seis cuerdas o las partes siempre arriesgadas para teclas y bronces. En tanto, el segundo, “Dreams Go”, es una balada instrumental de bella factura, donde todos aportan con su sensibilidad musical al resultado definitivo.

Los créditos de los otros temas se reparten en los cuatro integrantes de Yellowjackets. Por ejemplo, la extraordinaria “Measure of a Man” de Ferrante, se caracteriza por sus secciones llenas de misterio melódico, en un intenso viaje musical cercano a los ocho minutos. Lo mismo sucede con la más melancólica e íntima “Claire’s Closet”. Los temas más amigables, como “I Wonder” o “Yahoo”, son responsabilidad de Mintzer, que con sus piezas lúdicas y abiertas, da el espacio necesario para que Stern vuelque toda su vitalidad en las seis cuerdas.

El único tema escrito por todo el cuarteto, llamado “3 Circles”, es puro jazz y funk en la mejor de sus formas, mientras que las piezas de Haslip, tienen un toque más percusivo e incluso étnico, como en el caso de “Lazaro” y “Country Living”, nuevamente con Stern brillando con sus solos y sonido tan reconocible. Desde 1994, cuando en el disco “Run four Your Life” participó Robben Ford, que Yellowjackets no tocaba con un guitarrista en alguno de sus discos. Y a decir verdad, le sienta de maravilla a la infatigable banda estadounidense, que amplia su sonido y revitaliza su música. Otra grata sorpresa para el mundo del jazz en lo que va del año.

-Héctor Aravena A., Rockaxis.

Para quienes gustamos de esta banda, una agradable sorpresa, se presentarán incluidos Mike Stern el 9 de octubre en el Teatro Oriente.

JB Project representa la unión musical de dos notables instrumentistas: el baterista del grupo japonés Casiopea, Akira Jimbo y el bajista norteamericano Brian Bromberg. Esta nota estará centrada en éste último, ya que en breve contaremoscon material tanto de Jimbo como de su grupo Casiopea.

Bromberg comenzó su carrera como baterista. Tras bastantes fracasos en esta faceta, la oportunidad le llegó cuando Marc Johson, bajista en la orquesta de Bill Evans, le escuchó en una audición al bajo.
No ocurriría nada momentáneamente, aunque Johnson había tomado buena nota. Tal fue así que Stan Getz necesitaba un bajista, Marc Johnson no dudó en recomendarle a Brian Bromberg. Posteriormente y tras adquirir enorme experiencia junto a Getz comenzaría su carrera como solista con su primer álbum “A New Day” de 1986. Carrera que se prolonga exitosamente , siendo su último trabajo el disco “Downright Upright” de este mismo 2007.
En Brombo! , destacamos varios temas.
Escucharemos una versión de Giant Steps abriendo las pistas. Un So What! en donde Bromberg demuestra un dominio insultante en la técnica del tapping. Un incandescente Mambo Number Five , apoyado con la solidez y fiabilidad de Akira Jimbo. Y señalar , por último, Summer Brezee, un tema romántico muy en la línea de Petrucciani o Evans, también condimentado con tapping de primera calidad.

Tracklist:

Giant Steps
And I Love Her
Mambo No.5
Die Freude, An
Leisure Sweet
Summer Breeze
So What
Brombo
Wishful

Músicos:

Brian Bromberg - Bajo
Akira Jimbo - Batería
Otmaro Ruiz - Piano, Rhodes.

La vocalista, contrabajista y compositora estadounidense Esperanza Spalding es uno de los nuevos talentos del jazz, una joven de 24 años a la que le gusta indagar en otras músicas y que está deseando volver a relacionarse con el flamenco.

“Ojalá”, ha asegurado hoy la artista en una comparecencia ante la prensa en San Sebastián, tras asegurar que su colaboración con el guitarrista flamenco Niño Josele, tanto en estudio como en los conciertos en directo, ha sido estupenda.

Spalding, uno de los atractivos del 44 Heineken Jazzaldia, ha asegurado que Josele “es la bomba, es el mejor” y que siempre aprende algo cada vez que toca con él.

Pero la inquietud de esta mujer va más allá, como ha demostrado en su disco “Esperanza”, en el que canta en portugués y se atreve incluso a interpretar en castellano un standard del jazz como “Cuerpo y alma”, que ha traducido literalmente para la ocasión del original “Body and soul”.

Ha explicado que ya de niña escuchaba todo tipo de música en la radio, de clásica a jazz o rock, y lo hacía tanto en casa, como caminado, en el autobús y a veces también en la escuela.

A estas alturas tiene una lista inmensa, “de cientos y cientos” de músicos, de “héroes”, que le pueden descubrir algo, tan larga que le resulta difícil dar nombres, aunque sí ha mencionado a Wayne Shorter, Sara Vaughan y Steve Wonder.

Read the rest of this entry »

La guitarra de Al Di Meola rezuma jazz por todos sus costados. Jazz pervertido por Larry Coryell, Barry Miles o Chick Corea. Jazz depravado y mejorado gracias a sus trabajos con grandes músicos y con estrellas del jazz-rock como Jan Hammer, Steve Gadd, Jaco Pastorius, o Mingo Lewis. En definitiva, jazz.

Este neoyorquino de 55 años, supo ganarse el apodo de «guitarrista más rápido que su sombra» gracias a su virtuosismo con las cuerdas. Di Meola es el encargado de abrir hoy, a las diez de la noche, el Festival de Jazz de Gijón, donde comparte cartel con «Roy Haynes Trío», «The Manhattan Transfer» y «Spyro Gyra».

El maestro del jazz fusión conoció con tan sólo 16 años al responsable de introducir la guitarra eléctrica en el sonido jazzero de la década de los sesenta, Larry Coryell. Fascinado por su música, siguió todas sus actuaciones en los clubes neoyorquinos, ganándose su amistad y beneficiándose de sus consejos. La guitarra y el jazz ya formaban parte del cuerpo de Di Meola cuando se matriculó en la Berklee College of Music de Boston. Aunque pronto abandonó las aulas para tocar en el Read the rest of this entry »

Afirmar que Directions In Music: Live At Massey Hall es un disco interesante es una obviedad. Cuando en la carátula figuran los nombres de Herbie Hancock, Michael Brecker y Roy Hargrove, es evidente que el resultado será merecedor de ser escuchado atentamente. Aún así, quiero comenzar asegurando que, en efecto, es un álbum muy recomendable, tal y como se espera. Resulta que en el 2001 se cumplió el 75 aniversario de dos músicos de jazz que no lo hicieron del todo mal: Miles Davis y John Coltrane. Pues bien, Herbie Hancock, que es muy dado a eso de las efemérides, decidió celebrar tan importante fecha para la historia del jazz realizando una gira durante ese año. Nada extraño: ya había homenajeado a Miles Davis, a finales de los 70, con el quinteto V.S.O.P., y a principios de los 90, tras la muerte del trompetista, con A Tribute To Miles (Qwest, 1994). Además, en 1998 había sumado otro disco de homenaje a su discografía: Gershwin’s World (Verve Records, 1998 ), en ese caso recordando los cien años del nacimiento de George Gershwin. Esta tercera reunión está creada con las dos anteriores como modelo y, en última instancia, con el quinteto de Davis en los 60 como principal referente, sólo que cambiando el personal. Directions In Music: Live At Massey Hall, por cierto, fue grabada en Toronto, cuando la gira ya llevaba unas semanas de rodaje.

La diferencia respecto a homenajes precedentes es que, en este caso, le objetivo no era fomentar la nostalgia o el homenaje reverencial, sino crear su propia visión de composiciones de los dos grandes, algo que deja bien claro Herbie Hancock en las notas que escribió. Lo consigue a medias, pero cuando realmente asistimos a una reinterpretación creativa de composiciones inmortales el resultado es muy estimulante. Es así, sobre todo, en la dupla So what/ impressions, pieza paradigmática del disco, en la que sí escuchamos un quinteto liberado, o más precisamente, que interacciona libremente, impulsado primero por el solo de Roy Hargrove, luego por un brillante y pletórico Michael Brecker. Este último, eso sí, tiene su pasaje de protagonismo cuando aborda en solitario Naima, el clásico de Coltrane, ofreciendo un catálogo de técnica, fuerza interpretativa y sentimiento, los tres aspectos que hicieron grande a su compositor. El repertorio se completa con ua pieza de Hargrove (The poet), otra de Brecker (D Trane) y un original firmado por el trío de líderes (Misstery), y las tres funcionan muy bien rodeadas de tan inolvidables temas.

Nota: es curioso que Wayne Shorter, cercano artísticamente a Herbie Hancock, editase también en el 2002, y también en Verve Records, otro álbum grabado en directo, Footprints Live!, en el que participaban, igual que aquí, Brian Blade y John Patitucci como sección rítmica. Por lo visto, o Shorter o Hancock, uno de los dos, habló muy bien al otro de las cualidades del pianista y el batería.

-Santiago Tadeo, acidjazzhispano