El cantante Reapareció a finales del año pasado con If cantado en inglés como sus antecesores y con claras influencias esta vez del sonido Philadelphia que se caracterizaba por sus exuberantes arreglos orquestales, así como por sus cuerdas y su punzante sección de viento. Canciones como  Be Lonely , Serenity con un órgano Hammond de ensueño y guitarra wah-wah o Love Dreamer son un buen ejemplo de ello. Tambien hay espacio para las baladas romanticas como la preciosa  Something That Was Beautiful compuesta por B. Bacharach/S. Sater,  If  que da titulo al álbum o en clave mas tranquila y sensual  Cry Anymore adornada de unos increibles coros femeninos. Hay tambien una exuberante balada jazz titulada  I Wanna Make It. Destacar la alegre y festiva  I Know Its Over , un arreglo de una cancion que como curiosidad aparecia originalmente en el album Non Stop del mismisimo Julio Iglesias( si,si el mismo). Por último en la triste Bom De Doer nos acerca a Brasil. Mario Biondi, un italiano con alma negra.

Aquí se puede disfrutar de 3 temas del nuevo álbum:

El legendario guitarrista Pat Metheny armó una banda íntegramente compuesta por instrumentos robóticos para su nuevo disco y gira. Los más de 40 instrumentos robotizados conforman la orquesta de Jazz llamada Orchestrion.

Siempre estuvo fascinado por los avances tecnológicos, desde la adquisición de su primer sintetizador de guitarra, nunca paro de incorporar la tecnología a su música, pero sin llegar a quedar totalmente conforme.

Con esta nueva “orquesta” con el que grabó su último disco y está por salir de gira por toda Europa, Metheny reconcilia su pasión por los conciertos acústicos en vivo con sus ganas de innovar tecnológicamente. El proyecto fue impulsado por los ingenieros de LEMUR (League of Electronic Musical Urban Robots) que emplearon mecanismos robotizados de puertas y aspiradoras, según publica weblog.com.ar.

Metheny, el único artista que ha ganado un Grammy durante 10 años consecutivos utilizará un programa informático para enviar las variaciones de las improvisaciones en los lugares donde toque.

La inauguración estuvo a cargo del saxofonista cubano radicado en New York Yosvani Terry, un conocido de los organizadores a quien se le encergó la composición musical y arreglos de piezas en formato de jazz basadas en textos de grandes autores nacionales como Mistral, Neruda, Huidobro o Edwards Bello.
Terry se hizo acompañar de la cantante chilena Rossana Saavedra, una de las máximas figuras vocales del género para interpretar una canción, quien no desperdició la ocasión y dejo muy en claro por qué es considerada la mejor cantante de jazz nacional. Con un su tono particular algo pastoso y fraseos característicos, Rossana estuvo a la altura de una intérprete internacional.
A continuación se presentó un partner del fallecido Ray Barreto, el pianista Colombiano Hector Martignon y su sexteto, quien ya se había presentado en Santiago el año 2008 en una Jam Session en el Hotel Sheraton.
Pudimos apreciar un excelente show con toques de jazz latino con temas incluidos en el álbum “Refugee” nominado al Grammy en 2008 como el mejor álbum de Latin Jazz.

En la noche siguiente abrió el show el organista Joey DeFrancesco y su trio. Un músico excepcional, lleno de una energía que alucina.
DeFrancesco es uno de los pocos intérpretes del órgano Hammond B3, quien sigue el legado del desaparecido Jimmy Smith, quien brindó una clase de elegancia musical.
Esa misma noche y en el mismo escenario se plantó el compositor, cantante y guitarrista Joao Bosco en formación de octeto. Un dinosaurio de la música brasileña, quien ha evolucionado de manera genial. Pudimos deslumbrarnos con vientos, percusiones y un rico ensamble armónico que envuelve a cualquiera.

La jornada de clausura estuvo a cargo del compatriota Cristian Cuturrufo y su ensamble latino de jazz. Once músicos que pasaron la prueba del fuego bajo la tutela del experimentado e internacional trompetista, quienes estuvieron a la altura de sus pares internacionales. Uno de los más carismáticos y favoritos del público fue el guitarrista oriundo de Coquimbo Juan Carlos Aguilera.
Para el final, la guinda de la torta, el bajista y cantante camerunés Richard Bona y su banda multirracial.
Pudimos apreciar en plenitud al extraordinario “bajista del momento”, un tipo muy pulcro en la ejecución del bajo eléctrico.
Bona, quien pareció muy serio en camarines antes del concierto es un buen conocedor del show business. Con un desplante y carisma típico de un pop-star deslumbró y encantó literalmente al público con un par de números donde se acompaño de una maquina de efectos donde doblaba y triplicaba su voz realizando superposiciones que sonaban a casi una tribu de su tierra natal.
Luego del show, el bajista, Yosvany Terry y parte de la banda de Martignon asistieron al Club de Jazz de la calle Macul donde compartieron con músicos nacionales en interesantes Jam Sessions.

Llama la atención la humildad y sencillez de la mayoría de los músicos participantes, con quienes compartimos cenas y copas. Verdaderos monstruos del circuito musical actual, abiertos a contar experiencias y a compartir vivencias. Participamos además en la producción artística, un verdadero honor.

En resumen, un festival para recordar. Redondo en todo sentido, muy buena escenografía, luces y un sonido de lujo. A la altura de cualquier festival de jazz top del mundo.

“En El Bunker”, el primer disco doble de la historia de la música chilena, refleja según explica el bajista Jorge Campos, la madurez estilística de Fulano, proceso que se había iniciado en 1984, y que se reflejó primeramente en su disco de 1987, “Fulano”.

En este Concierto Gala de Fulano presentará los cien minutos de música más intensos de la música chilena, de un trabajo que los consagra en su calidad interpretativa y en su conceptualización. Algo que el periodista David Ponce, señala en su libro “Prueba de Sonido”, al decir que “nadie hizo música similar en Chile, y el conjunto emerge por igual con un pie en la historia vigente hasta entonces y con el otro en una música inaudita”.

Será una jornada inolvidable donde se dará continuidad a un retorno que no ha dejado indiferente a nadie, que ha recibido excelentes críticas de los medios, y que presentará de manera integra “En El Bunker”, un disco que, como dijo el periodista Héctor Aravena de la revista Rockaxis, “aún suena fresco e innovador. Por lo mismo un trabajo imperdible y por supuesto, un clásico obligado de nuestra banda sonora nacional”.

Fulano:
Arlette Jequier: voz y clarinete
Cristián Crisosto: saxos alto, soprano y barítono, flautas y clarinete bajo
Jaime Vásquez: saxos alto y tenor, flauta dulce contralto y flauta traversa
Felipe Muñoz: piano y teclados
Jorge Campos: bajo eléctrico y guitarra eléctrica
Raúl Aliaga: batería

Fulano, 20 Años En El Bunker
5 de diciembre
21 horas
Entradas en venta a través de sistema ticketmaster
Teatro Nescafé de las Artes
Manuel Montt 032

Mosaico Jazz Trío

El grupo, que visitará por primera vez nuestro país, está integrado por el pianista y compositor chileno Matías Muñoz; la baterista catalana Núria Perich y por el contrabajista, también catalán, Pau Lligadas.
Mosaico Jazz Trío se adjudicó este año el premio “Fondo de la Música”  otorgado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes.

En “Promenade”, la agrupación apuesta por el uso de nociones clásicas jazz con composiciones de temas originales, mezclando de esta manera influencias de diferentes géneros musicales como, por ejemplo, el bossanova, swing, blues, be-pop y otras provenientes de la música docta y contemporánea, logrando la unión y contraposición de conceptos y personalidades instrumentales que se entrelazan para crear una nueva identidad, enfocada hacia un público multigeneracional y heteróclito.
El lanzamiento de su gira 2009 por nuestro país comienza el 11 de noviembre en el Centre Català (Stgo) y contará con presentaciones en el Club de Jazz (12 de noviembre, Santiago), Centro de Extensión del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (13 de noviembre, Valparaíso), La Piedra Feliz (14 de noviembre, Valparaíso), Escuela Moderna de Música (16 de noviembre, Santiago), y culminará en el Thelonious (18 y 19 de noviembre, Santiago).

GIRA:
Miércoles. 11 nov, Centre Català, 21h. Entrada Liberada  (Suecia 414 · Providencia · Metro Los Leones. Stgo)
Jueves 12 nov, Club de Jazz, Stgo, 22h30.  General $3000 Est. y 3ª edad $2000 (José Pedro Alessandri 85 – Ñuñoa, Stgo)
Viernes 13 nov, Centro de Extensión, Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, 12h. Entrada Liberada (Plaza Sotomayor 233, Valparaíso)
Sábado 14 nov, Club de Jazz La Piedra Feliz, Valparaíso, 21h30. $2000 (Errázuriz 1054, Valparaíso)
Lunes 16 nov, Escuela Moderna de Música, 13h30. (Luis Pasteur 5303, Vitacura, Stgo)
Miércoles 18 nov, Thelonious, Jam Session, 23h. $2000 (Bombero Nuñez 336, Bellavista, Stgo)
Jueves 19 nov, Thelonious, 22h30. $2000 (Bombero Nuñez 336, Bellavista, Stgo)

“Somos ciudadanos de la tierra”, le dijo una vez Dizzy Gillespie, su mentor, y él se lo tomó en serio. Sin embargo, le duele hablar de su tierra, Cuba.

“Llueve sobre mojado”, suspira. Pero conversar de música le sale más fácil, lo alivia. “A eso voy a Chile, a tocar música, a mostrarme con el corazón abierto”, dice al teléfono desde Miami.

-¿Cómo suenas después de cincuenta años tocando?

-Como músico de jazz vas madurando con el tiempo, con las experiencias. Los años van dando esa paciencia. Hace 20 años no había muchas oportunidades para tocar o para grabar, entonces uno estaba ansioso de demostrarle al mundo lo que estaba practicando durante años.

-Dicen que Miles le reprochaba mucho a Coltrane que quisiera tocar más allá de la música. Tuviste una relación cercana con otro gigante como Dizzy Gillespie, ¿cómo fue?

-Es la influencia más importante de mi carrera musical. El primer disco de jazz que escuché en mi vida fue uno de él y de Charlie Parker. Eso me causó una impresión tan fuerte, que parece que hubiese sido la semana pasada. En este momento he tratado de filtrar eso que él inventó, que se llamó Bebop. Mucha gente se confunde y trata de darle más crédito a Charlie Parker, pero todo el que sabe la verdad conoce que Dizzy fue el que realmente comenzó con esas ideas. Su profundidad como conocedor de la armonía dio pie, a que comenzara a tocar de forma diferente a todos los demás. Es una bendición de Dios que nos hayamos conocido. Me dio ánimo y entusiasmo desde que lo conocí hasta que cerró los ojos. Decía que todos los días había que aprender algo.

“NO BUSCO LO POPULAR”

-Después de “Rumba Palace”, tu último trabajo, ¿hacia dónde apunta tu música?

-Acabo de terminar de grabar un disco que saldría la primera semana de febrero. Se llama “A time for love” y es la primera vez que hago un disco completo con arreglo de cuerda. Es todo muy suave, con mucha finura.

-¿Hay una búsqueda de acercarse más a lo popular?

-No estoy buscando lo popular. No, no. Busco a la gente que tenga buen gusto. Hoy la música popular no vive un esplendor.

-Pero grabas con artistas como Justin Timberlake o Alicia Keys que son pop…

-No con uno, con cientos. Pienso que las melodías, las armonías y sobre todos las letras de hace algunos años, eran mucho más ricas, más interesantes, profundas y hermosas. Hoy todo es demasiado simple, demasiado directo.

-¿Será que hay muchos productores a cargo de la música, más que músicos de verdad?

-Es un detalle muy interesante. Puede ser una de las razones. Que ven la música como un producto y no como una forma de expresión.

BOLERO CUBANO

-Con respecto a las grandes letras, y entendiendo que fuiste uno de los fundadores de Irakere, ¿no te atrajo la trova en Cuba?

-No, lo mío siempre fue el jazz. He hecho canciones, pero generalmente son instrumentales, salvo algo muy especial para mi madre o a Tito Puente, a quien le hice una canción. No tuve relación con esos movimientos, aunque sí los conocí. Yo estaba allá.

-Tengo entendido que no quieres hablar de política y no te molestaré con eso. Pero sí me gustaría saber qué relación tienes con los músicos de allá. Si volverías a grabar con Chucho, por ejemplo…

-Te agradezco. Es que llueve sobre mojado. Hace 20 años que no puedo ir a Cuba. Y por suerte tengo a toda mi familia aquí. Pero yo soy ciudadano de un país que se llama tierra. Y uno vive en la tierra donde los seres humanos que están a tu lado te respetan. Ese es mi caso. Eso lo encontré cuando comencé a vivir aquí. Cuando me vine lo hice en cuerpo y alma. Hay gente que mueve el cuerpo, pero que el alma se le queda allá. Así no se puede vivir. Por supuesto que algún día me gustaría volver a visitar. Pero no creo que en este momento. Con esta confusión donde la gente se cree que las cosas están cambiando.

-¿Realmente no consideras que las cosas están cambiando?

-Para nada. Tengo primos allá que van y vienen. Y la situación cambia, pero para peor. Cada día hay más miseria y más hambre. La gente come algo por lo que reciben de lo que ellos llaman “la mafia de Miami”. Pues la mafia de Miami es la que alimenta al pueblo de Cuba. El día que no se pueda mandar dinero, entonces terminarán 11 millones de personas muriendo de hambre.

-¿Tan radical Arturo? No crees…

-No creo, estoy seguro de lo que te estoy diciendo. Son millones de dólares que salen diariamente desde aquí a Cuba para ayudar a los familiares. Los documentos son públicos. Es por la ineficiencia de un gobierno que ha sido un fracaso absoluto, un gobierno que ha matado el espíritu de su pueblo.

-Yo le preguntaba por los músicos. Pero me gustaría saber en lo humano si podría reunirse en algún momento con Chucho y Paquito.

-Eso está en las manos de Dios. Habría que preguntarle a Chucho si el gobierno lo dejaría hacer un disco con nosotros. En este lado del estrecho de la Florida tenemos libertad para hacer lo que queramos. Pero allá hay que pedirle permiso al gobierno para mover un dedo.

Arturo Sandoval Sextet se presentará el 28 de octubre en el Teatro Nescafé de las Artes.

- La Nación.

A través de unos 350 objetos -filmes, fotos, manuscritos, portadas de discos, vestuario, trompetas-, la exposición recrea el universo del músico, nacido en 1926 en Saint Louis, Illinois: desde su llegada a Nueva York, en 1944, hasta su último concierto en París, en 1991, poco antes de su muerte.

Pero es la música, siempre la música, la que está en el corazón de esta muestra, explicó a la AFP Vincent Bessières, el comisario de la exposición ‘Queremos a Miles’, título de uno de sus álbumes.

La exposición, que cierra el 17 de enero, “es un llamamiento a redescubrir su música”, señaló Bessières, en un recorrido en el que no esconde su emoción por la próxima inauguración de la muestra -a la que asistirán los hijos de Miles- ni su inmenso respeto por el personaje casi sobrehumano que fue el músico. “Miles encarnó el genio de la música, fue un personaje carismático, ambiguo, misterioso, enigmático, con una ambición personal muy fuerte. Su deseo de tener éxito, pese al color de su piel, le dieron una fuerza inagotable. Pero es su música la que está en el corazón de la exposición”, insistió.

Miles, que tocó con cientos de músicos -su aprendizaje fue nada menos que con Charlie Parker y Dizzy Gillespie- nunca dejó de renovarse, de cambiar: su fulgurante trompeta nunca cesó de sorprender.

La originalidad de Bessières, que trabajó dos años en la organización de la muestra, es haberse inspirado, para diseñarla, en la manera de Miles de tocar la trompeta, con una sordina de acero, que le daba un tono más íntimo y personal. “La escenografía se inspiró de ‘la sordina’ de Miles”, explica Bessieres, mostrando en una de las primeras salas una pequeña cabina, una suerte de capilla sonora, donde vibra la trompeta inconfundible de Miles.

En cada una de esas ’sordinas’, el visitante se sume en composiciones emblemáticas de cada periodo del trompetista, tales como ‘In a silent way’ o ‘Kind of blue’, el disco más vendido en la historia del jazz, grabado hace 50 años. “El jazz nunca fue lo mismo, después de ‘Kind of blue’”, subrayó el comisario

En una vitrina contigua, se presenta la trompeta que Miles “probablemente” usó para esa grabación, y el saxofón utilizado por John Coltrane en ese histórico álbum. En otras vitrinas, o colgando de las paredes, hay fotos, dibujos, manuscritos musicales, instrumentos. Mientras, la imagen del trompetista se proyecta en múltiples pantallas.

“Los objetos sólo son utilizados para poner la música en su contexto”, subraya Bessieres, continuando el recorrido de la muestra, que se desarrolla en un espacio de 800 metros, en dos pisos.

En el subsuelo, el visitante se sumerge en el sonido electrónico de un Miles ahora psicodélico. En la pared se refleja un filme del mítico concierto en la isla de Wight. En vitrinas, cuelga el vestuario -chaquetas blancas con lentejuelas, pantalones anchos, anchos gafas de sol- que vistió en esos años, cuando estaba elaborando una música abstracta, entre jazz, rock y funk.

El penúltimo espacio es un corredor estrecho y oscuro, que evoca el periodo en que Miles se sumió en el alcoholismo, la depresión, en un largo silencio. En ese estrecho túnel, se escucha ‘He loved him madly’, un tributo de casi media hora compuesto por Miles tras la muerte de Duke Ellington, en 1974.

La exposición termina en los años 80, con Miles consciente de su leyenda, de su lugar en la historia. “Miles pone en escena su propia leyenda”, resume el comisario, recalcando que “esta es la primera gran exposición en el mundo consagrada a Miles Davis”, y que es “justo” que sea en París. Miles siempre reconoció que había descubierto en París -adonde llegó por primera vez en 1949 y tuvo un enamoramiento que lo marcó mucho con la cantante francesa Juliette Greco- “una ciudad donde era reconocido, amado, tratado con respeto, tratado como igual”, dijo Bessières. “Pero quizá, como dijo (el baterista y compositor estadounidense) Max Roach, sin segregación no habría habido jazz”, concluyó.

Miles Davis, Stan Getz, Jaco Pastorius, Pat Martino, Arturo Sandoval, Tiger Okoshi, Michael Brecker, Steve Vai, Steps Ahead y los Brecker Brothers (entre otros). Así de fuerte es el currículum de Mike Stern, músico norteamericano que ha compartido con la elite del jazz mundial y que ya prepara maletas para presentarse junto a Yellowjackets el próximo viernes a las 21 horas en el Teatro Oriente.

Y sin embargo, más allá de su historia, habla entre risas y desde la humildad. Contento de volver una vez más al país junto a esta banda de jazz fusión que se creó en 1977. “He estado tocando en este proyecto especial con los Yellowjackets. Lo que suelo hacer es utilizar mi propia banda, pero con ellos disfruto mucho, son grandes músicos y cuando se dio la oportunidad de ir a Chile, no dudamos en venir”, comenta al teléfono desde Nueva York Stern, quien acaba de editar una nueva producción que hace tres semanas salió a las tiendas. “Es Big Neighborhood, una operación con mucha gente. Está Richard Bona, Medesky Martin & Hood, Steve Vai y Esperanza Spalding…Erick Johnson. Fue mucho trabajo pero creo que fluyó bastante”, comenta.

-Precisamente Richard Bona dijo que desde que murió Jaco, él era el mejor bajista del mundo. ¿Quién crees tú que es el mejor guitarrista?
-Es muy difícil de decir. Me gusta Jimi Hendrix y me gusta West Montgomery. Me gustan muchos guitarristas diferentes por diferentes razones. Creo que se da más en la guitarra, se puede ver que suena muy distinta en el contexto que se le ponga. B.B. King es un gran guitarrista porque pone notas en el lugar correcto. Luis Salinas es un gran guitarrista. Hay muchos. Lo único que te digo es que es tan bonito ser músico, y yo amo mucho.

-Salinas es argentino, ¿qué opinas de los músicos chilenos?
-Los músicos chilenos son increíbles. Tenía un muy buen amigo, Ricardo Arancibia, pero murió… Se fue, en realidad no sé por qué, pero se suicidó. Estaba muy depresivo por alguna razón, realmente es una lástima. Solía salir con él y conocer a sus amigos. Ricardo era guitarrista. Con él aprendí algo de folk y conocí músicos de jazz y de otros que combinaban estilos. Tu país es increíble, hay tanta música. Amo Chile, siento un gran sentimiento cuando estoy ahí. Las tres o cuatro veces que he tocado me he sentido muy bien. Con la gente, con otros músicos. El país entero es muy musical…

-¿Y tu relación con la guitarra cómo nace?
-Creo que la primera vez que me interesé en la música fue cantando. Cuando era muy pequeño, con cosas de la radio, entonces mi mamá se dio cuenta de que sería músico. Luego estudié piano y tras dos años tomé la guitarra. Fue mi elección, y como fue mi elección nunca más la dejé, y tocaba y tocaba…

-Y hoy cómo ves tu momento artístico, ¿qué buscas? ¿Rapidez, pulcritud, sonido?
-Estoy muy bien, estoy tan feliz y honrado de ser músico en mi vida. Es un regalo, amo lo que hago, la música es tanto para mi que cada vez que toco, toco con el corazón.

-¿Qué importancia tuvo para ti compartir banda con Miles Davis?
-Creo que fue impresionante. Miles estaba loco, eso es seguro. Pero yo también estoy loco. En esa época estábamos los dos medio locos. Creo que es una de las escuelas que me dijo que tocara con el corazón. Y si escribes, también debes hacerlo desde el corazón. Aunque sea un sentimiento loco, lindo o triste. Lo que yo trato de hacer es usar la guitarra como una cantante. Miles lo que hacía era siempre cantar a través de la trompeta y aprendí mucho de eso. Tocar desde el corazón es verdadero en Miles y en Jacko (Pastorius)…

-¿Te molesta el tema de la piratería por internet o no te influye mayormente?
-No soy muy bueno con las computadoras. No tengo… mi mujer tiene dos y yo ni siquiera las sé prender… La piratería es una pena porque la gente siente que no tiene que pagar por nada. A mí directamente no me afecta, porque soy un músico establecido. Y hago mis discos y viajan por el mundo.

- La Nación

Son viejos conocidos para el público chileno (Stern ha tocado en Chile en cuatro oportunidades a lo menos) y esta vez anuncian un concierto juntos, por primera vez. De hecho, es la primera vez que salen de gira europea y latinoamericana, con el disco colaborativo Lifecycle (2008).

Ambos proyectos nacieron en 1981, con la distancia que marca en el mapa las dos costas americanas. Yellowjackets sacó ese año su disco Yellowjackets con lo inicios de lo que se llamó R&J, es decir rhythm and jazz, debido a que su fundador fue el reconocido guitarrista de R&B Robben Ford.

Al otro lado, en Nueva York, Miles David regresaba a las pistas con bandas eléctricas de fusión y en su primer disco, The man with the horn presentó en sociedad al guitarrista Mike Stern, entonces de 18 años. Ambos proyectos se encontraron en 2007 en el festival de jazz de Montreal, en Canadá, tocaron juntos y el recibimiento fue de tal impacto que los músicos ingresaron inmediatamente al estudio para grabar Lifecycle.

Mike Stern como solista invitado de los “chaquetas amarillas”, el cuarteto eléctrico que forman Russell Ferrante (teclados), Bob Mintzer (saxofón), Jimmy Haslip (bajo) y Marcus Baylor (batería) estarán el 9 de octubre en el Teatro Oriente y el grupo (ya sin Stern, quien inicia gira con su cuarteto), llegará a Concepción el 12 del mismo mes en el Teatro Concepción.

-emol.

El jazz fusion
En términos de jazz, Truffaz, es pionero en los escenarios parisinos de proponer un espíritu original al movimiento fusion, aplicándole alta creatividad. Es más, ese atrevimiento de someter al jazz tradicional al mestizaje con ritmos modernos (desde drum n’ bass hasta rap), los puristas le han interpretado frecuentemente como una irreverencia innecesaria. Con esa estela, más una docena de discos grabados, y presentaciones en festivales como el Montreux Jazz Festival, inicia ahora una gira por América Latina, esta vez, al lado del mexicano Murcof, multitecladista de 39 años, que abraza la música electrónica minimalista.

Jazz y hip hop
Para Truffaz, “no trato de hacer esto o aquello. Sólo trato de ser yo mismo. Tomo inspiración de las cosas que amo”. Ahora bien, esa filosofía es lo que sirve de línea divisoria para apartar lo suyo a lo hecho antes y no para retomar posturas hechas por un Miles Davis, Pat Metheny, Joe Zawinul y Chick Corea, por mencionar algunos que innovaron a finales de los años sesenta, setenta u ochenta con jazz fusion. Según el trompetista, en estos tiempos existen aportes que los elementos electrónicos le hacen hoy un bien al jazz. “El ritmo es uno de sus aportes. En los años noventa, la aparición de la música rap y del drum n’ bass ha insuflado nuevos ritmos al jazz”.

No es de extrañar que este compositor francés suela escuchar a Radiohead, Peter Gabriel, Massive Attack, música hindú y sufí. Músicas que igual incorpora a su trabajo, como prueba de su apertura a los nuevos sonidos. A veces de un modo excéntrico sí, donde recurre a samples o al apoyo de diferentes artefactos electrónicos.

Truffaz comenzó a estudiar trompeta (gracias a su padre) e ingresó al Conservatorio de Geneve, Suiza. Para entonces, tenía 16 años, ya había escuchado el disco que le impactó para siempre: Kind of blue, de Miles Davis. Con educación formal, aprendió por supuesto a tocar Mozart y Verdi, pero el jazz era el oasis de su realización. Así fue como ganó notoriedad con diferentes premios, con su pequeño grupo y después con sus grabaciones.

Lo que este trompetista persigue al final es que “el público sea quien entienda nuestra música, que la gente sienta la emoción que intentamos transmitir y que de alguna manera nos responda”. Eso sí, a condición que el oyente lo haga con la mente abierta.

Esta es la mejor oferta en materia de jazz del año. El planteamiento es de procedencia europea, con aire de vanguardia y elegancia.